Friday, November 16, 2018

High Society

Tea Gown (1898).
Photo courtesy of MET.


Although today we have different options to dress at our closet for various social situations, there is nothing compared to what it was in our always loved nineteenth century (at least for me). Ladies (and gentlemen), the ladies of that time did not put on a dress and spent all day with it (no, no, no), they were owners of a wide range of costumes according to each hour of the day (I guess they did nothing but dress and undress, since the dresses of yesteryear took time to put on). So, I thought that this would not be a good material to write about it.





Promenade Dress (1862).
Photo courtesy of MET.
If we have to start with something, then we will start at the beginning as it should be: the tea gown that was, let's say, the dress to be around the house. You got out of bed and it was the first thing you put before starting the routine. They were not "dresses" (I do not know whether to properly consider it like a dress in my humble opinion) of very structured lines and they were made of light fabrics. The day passed and then they decided it was a good idea to take a walk to stretch their legs, go shopping and be seen, of course. So they put on the walking dress or also  promenade dress. Our elegant ladies were not willing to go unnoticed and got dressed in the most fashion of the moment, adding a hat and gloves like essential accessories. The quiet afternoon came and it was time to do some social life in a more intimate way. The afternoon dress was the used one for tea and garden parties (very common in those times). Elegant dresses without being ostentatious. It also happened that, sometimes, there was nothing to do out of the ordinary, so they took out the day dress from the closet. It was an informal dress to be worn every day.


Ball Gown (1860).
Photo courtesy of MET.
At the end of the day, they could be relaxed at home or attend some formal event where to wear their best clothes (remember that we are talking about the ladies of high class, obviously). Here we already have different options depending on the kind of event and the time. If it took place before 6 pm, then the morning dress was the right one to wear. After that time, the evening dress was the protagonist. These dresses were real wonders made of fabrics such as velvet, satin, gauze ... but the indisputable queen was silk (it was when women shone with all their splendor). Finally we have the ball gown for events of the highest level. Unlike the previous one, this dress had the widest skirt and the shoulders can be left exposed. The fabrics were also of great luxury, but they were also adorned with ruffles, lace and pearls (and let´s dance!). I do not know if I forgot some (the mourning dress will have a blog for itself), if so let me know, it's always good to be learning. I have to go, there are things that must be done and ... I still do not know which dress to wear!


See you next week, vintage lovers!



Alta Sociedad

Tea Gown (1898).
Photo courtesy of MET.


Aunque hoy en día en nuestro armario tenemos diferentes opciones para vestir en determinadas situaciones sociales, no es nada comparado con lo que había en nuestro siempre adorado siglo XIX (al menos para una servidora). Señoras (y caballeros), las damas de aquella época no se ponían un vestido y se pasaban todo el día con él (no, no, no), ellas eran poseedores de un amplísimo abanico de vestuario acorde con cada hora del día (supongo que no hacían otra cosa más que vestirse y desvestirse, ya que los vestidos de antaño llevaba su tiempo ponérselos). Así que, he pensado que ésto sería un buen material para escribir sobre ello.




Promenade Dress (1862).
Photo courtesy of MET.
Si tenemos que empezar por algo, pues empezaremos por el principio como debe ser: el tea gown que era digamos el vestido de andar por casa. Te levantabas de la cama y era lo primero que te ponías antes de comenzar la rutina. No eran “vestidos” (no sé si considerarlo propiamente un vestido en mi humilde opinión) de líneas muy estructuradas y estaban hechos de telas ligeras. Pasaba el día y entonces decidían que era una buena idea dar un paseo para estirar las piernas, ir de compras y hacerse ver, por supuesto. Así que se ponían el walking dress o también promenade dress (vestido de paseo). Nuestras elegantes damas no estaban dispuestas a pasar desapercibidas y se vestían con lo más fashion del momento, añadiendo un sombrero y unos guantes como accesorios imprescindibles. Llegaba la tarde tranquila y era el momento para hacer un poco de vida social en una manera más íntima. El afternoon dress (vestido de tarde) era el usado para reuniones de té (muy común en aquellos tiempos) y fiestas en jardines. Vestidos elegantes sin ser ostentosos. También pasaba que, a veces, no había nada para hacer fuera de lo ordinario, entonces sacaban del armario el day dress (vestido de día) que era un vestido informal que se usaba a diario.


Ball Gown (1860).
Photo courtesy of MET.
Ya en el final del día, lo podían pasar en casa relajadamente o asistir a algún evento formal donde lucir sus mejores prendas (recordar que estamos hablando de las damas de clase alta, obviamente). Aquí ya tenemos diferentes opciones dependiendo de la clase de evento y de la hora. Si ello tenía lugar antes de las 6 de la tarde, entonces el morning dress (vestido de mañana) era el indicado para llevar. A partir de esa hora el evening dress (vestido de noche) era el protagonista. Estos vestidos eran auténticas maravillas hechas de telas caras como terciopelo, satén, gasa…pero la reina indiscutible era la seda (era cuando las mujeres brillaban con todo su esplendor). Por último tenemos el ball gown (vestido de baile) para eventos de más alto nivel. A diferencia con el anterior, este vestido tenía la falda más amplia y los hombros se podían dejar al descubierto. Las telas eran de gran lujo también, pero además iban adornadas con volantes, encajes y perlas (¡y a bailar!). No sé si olvidó alguno (el mourning dress o vestido de luto tendrá un blog para él sólo), si es así hacérmelo saber, siempre es bueno estar aprendiendo. Os dejo, hay cosas que deben ser hechas y… ¡todavía no sé cuál vestido ponerme!


¡Os veo la semana que viene, amantes del vintage!



Monday, September 24, 2018

Ladies Courageous

Seventeenth century corset.

They say that you have to suffer if you want to be beautiful although it is not a good thing if it is taken to the extreme. Back in time (a very long time ago) the options for choosing clothes were certainly very limited, so when something was a trend everyone was wearing it because it was what there was or because they really liked it (today you can choose your own style since you will always find something that fits your desires). So here I am wondering who would be the person who put the corset in women's lives and why.





Inquiring a little it seems that there is nobody with name and last name to who this garment can be attributed. It is said that the civilizations of Crete, Rome and Greece are considered the precedents in the use of the corset, but it is not until the Renaissance when it begins to become popular thanks to the Medici family. The idea was to get a perfect, feminine silhouette and so with time the corset was evolving and more complex structures were created. With the arrival of the Baroque (always ostentatious) the corsets are made by metal rods that narrow the waist even more, enhancing the hips and lifting the bust. The men began to make use of it too and the upper class boys and girls. Already in the eighteenth century, the corset was still the center of fashion, but contrary to what is thought was not used every day since it was not healthy, the oppression that exerted on the lungs could cause fainting when deprived of air (It was not a good plan to faint every five minutes, right?), so they used it for special events where the great ladies wore their most precious clothes. With the arrival of the French Revolution everything turns upside down and the Grand Corps disappear. They were difficult times that were reflected in each aspect of life. This does not last long and its use returns in 1820 and it is also popularized, it is accessible to every social class. It is throughout this century when our protagonist is enriched with lace, rhinestones ...; The waistline becomes even narrower, calling itself the "wasp-waisted”, giving a delicate appearance to the female silhouette.


Corset (1890).



Christian Dior's New Look collection
(1947).


With the turn of the century, the corset begins to disappear from the closets of the women, and already the fashion throw off rigid and it is simplified in the 1920s (ah! Those crazy years!). Only Christian Dior (1905-1957) gets it back thanks to his collection "New Look" in 1947. But in this case the corsets were more elastic, and therefore more comfortable. Nowadays, this garment is practically gone, and only some daring women dare to wear it. And you? Would you wear it?


See you next week, vintage lovers!








Heroínas Anónimas

Corset del siglo XVII.


Dicen que para estar bella hay que sufrir aunque llevarlo a extremos no es buena cosa que digamos. Vuelta atrás en el tiempo (un tiempo muy lejano) las opciones para elegir vestimenta eran ciertamente muy limitadas, así que cuando algo era tendencia todo el mundo lo llevaba porque era lo que había o porque realmente les gustaba (hoy en día tú puedes elegir tu propio estilo ya que siempre encontrarás algo que se ajuste a tus deseos). Así que aquí estoy preguntándome quién sería la persona que puso el corset en la vida de las mujeres y por qué.




Indagando un poco parece que no hay nadie con nombre y apellidos al que se le pueda atribuir esta prenda. Se dice que las civilizaciones de Creta, Roma y Grecia se consideran las precedentes en el uso del corset, pero no es hasta el Renacimiento de la mano (bueno del torso, hablando con propiedad) de los Médici cuando empieza a popularizarse. La idea era conseguir una silueta perfecta, femenina y así con el tiempo el corset fue evolucionando y se fueron creando estructuras más complejas. Con la llegada del Barroco (siempre ostentoso) los corsets se hacen mediante ballenas o varillas de metal que estrechan la cintura aún más, realzando las caderas y elevando el busto. Los hombres empezaron a hacer uso de él también y los niños y niñas de clase alta. Metidos ya en el siglo XVIII, el corset seguía siendo el centro de la moda, pero contrario a lo que se piensa no era usado a  diario puesto que no era sano, la opresión que ejercía sobre los pulmones podía provocar desmayos al verse privados de aire (no era plan estar desmayándose cada cinco minutos, ¿verdad), así que lo dejaban para eventos especiales donde las grandes damas llevaban sus más preciadas prendas. Con la llegada de la Revolución Francesa todo da un vuelco y los Grand Corps desaparecen. Corrían tiempos difíciles que se reflejaron en cada aspecto de la vida. Ésto no dura mucho y en 1820 vuelve su uso y además se populariza, se hace accesible a cada clase social. Es a lo largo de este siglo cuando nuestro protagonista se enriquece con encajes, pedrería…; la cintura se estrecha aún más llamándose cintura “de avispa” dando a la silueta femenina un aspecto delicado.


Corset (1890).



Colección New Look de Christian Dior
(1947).


Con el cambio de siglo, el corset comienza a desaparecer de los armarios de las féminas., y ya en los años 20 la moda se libera y se simplifica (¡ah! ¡Esos locos años!). Sólo Christian Dior (1905-1957) lo vuelve a poner en primera línea de nuevo gracias a su colección “New Look” en 1947. Pero en este caso los corsets eran más elásticos, y por consiguiente más cómodos. Hoy en día, esta prenda está prácticamente desaparecida, y sólo algunas atrevidas osan a llevarlo. ¿Y tú? ¿Tú lo llevarías?


¡Os veo la semana que viene, amantes del vintage!








Saturday, September 8, 2018

Helen of Troy

Greek mythology has always played a part in the time of inspiration; the world of cinema and the world of sculpture and painting are some of the examples where the gods of Olympus were the protagonists (those muscular torsos, right?). But do not forget that fashion is an art too, and if there is a designer who reflected this Greek world, then we would say Germaine Émilie Krebs (does not it familiar to you?), better known as Madame Grès (1903-1993), or also Alix Barton, name that she used in her beginnings when she began her work as a designer in 1933 in the always Paris (now you know who I'm talking about). Well, let's go to the topic!


Madame Grès (1903-1993). Photo by Eve Arnold (1977).





Madame Grès working on a design.
Photo by Boris Lipnitzk (1935).
You do not need to think much and realize that this french was in love with the Greek world and her original creations reflect it. Her initial designs earned her the first prize of haute couture at the Universal Exhibition in Paris in 1937 (a splendid takeoff for her career, no doubt), and from there she created her brand. Her true vocation was sculpture, but she replaced the stone with silk and taffeta, creating totally timeless works that take your breath away. Madame Grès did not follow the guidelines of the conventional fashion. Her creative world was completely different, her designs were complex, despite they looked simple, without seams (and those colors!). The drapes and the asymmetrical shapes were the hallmark of her spectacular dresses in search of perfection (and she found it!) in her refined and sensual lines; she achieved the elegant movement of her creations thanks to her well-known pleating formed by flat folds every 3 cm. Her inspiration was not only taken from ancient Greece, also the Japanese kimonos and the traditional clothes of North Africa were part of her repertoire. All of it made her be praised by her colleagues, since no one missed the skill of her hands with which she worked the fabrics (as a singular note we have to say she did not know how to ... sew!), skill dictated by a wonderful mind. And there from her atelier at number 83 of the Rue Faubourg-Saint Honoré, our protagonist conquered haute couture.




Silk evening dress (1958).
Photo courtesy by MET.


Along with our beloved Coco Chanel, Madame Grès was considered one of the most important designers of the postwar period. But while Chanel liked to advertise herself, the other preferred discretion and she hardly gave interviews. Here I leave a quote that sums up her great work in the world of fashion: "Because only perfection will make a garment live from one season to the next one". Thanks for everything, Alix.

See you next week, vintage lovers!








Helena de Troya

La mitología griega siempre ha dado mucho juego a la hora de la inspiración; el mundo del cine y el de la escultura y la pintura son algunos de los ejemplos donde los dioses del Olimpo fueron los protagonistas (esos torsos musculosos, ¿verdad?). Pero no debemos olvidar que la moda es un arte también, y si hay un diseñador(a) que reflejó este mundo griego, entonces diríamos Germaine Émilie Krebs (¿no os suena?), más conocida como Madame Grès (1903-1993), o también Alix Barton, nombre que usó en sus inicios cuando comenzó su trabajo como diseñadora en 1933 en la siempre París (ahora ya sabéis de quién estoy hablando). ¡Pues vamos al tema!


Madame Grès (1903-1993). Foto por Eve Arnold (1977).




Madame Grès trabajando en un diseño.
Foto por Boris Lipnitzk (1935).
No cabe pensar mucho y darse cuenta que esta francesa era una enamorada del mundo griego y su originales creaciones lo reflejan. Sus iniciales diseños le valieron el primer premio de alta costura en la Exposición Universal de París en 1937 (todo un espléndido despegue para su carrera, sin duda), y a partir de ahí creó su marca. Su verdadera vocación fue la escultura, pero sustituyó la piedra por la seda y el tafetán, creando trabajos totalmente atemporales que dejan a uno sin habla. Madame Grès no seguía las pautas de la moda convencional. Su mundo creativo era completamente diferente, sus diseños eran complejos, a pesar de parecer simples, sin apenas costuras (¡y esos colores!). Los drapeados y las formas asimétricas eran la seña de identidad de sus espectaculares vestidos en los que buscaba la perfección (y la encontró) en sus depuradas y sensuales líneas; el elegante movimiento de sus creaciones lo lograba gracias a su archiconocido plisado formado por pliegues planos cada 3 cm. Su inspiración no sólo era tomada de la Grecia antigua, también los kimonos japoneses y las ropas tradicionales del Norte de África formaban parte de su repertorio. Todo ello la hizo ser elogiada por sus compañeros de profesión, ya que a nadie se le escapaba la destreza de sus manos con las que trabaja las telas (como nota singular decir que no sabía… ¡coser!), destreza dictada por una mente maravillosa. Y allí desde su atelier en el número 83 de la Rue Faubourg-Saint Honoré, nuestra protagonista conquistó la alta costura.



Vestido de seda de noche (1958).
Foto cortesía de MET.


Junto con nuestra adorada Coco Chanel, Madame Grès fue considerada una de las más importantes diseñadoras del período de post-guerra. Pero mientras a Chanel le gustaba publicitarse, la otra prefería la discreción y apenas concedía entrevistas. Aquí dejo una frase que resume su gran trabajo en el mundo de la moda: “"Porque sólo la perfección hará que una prenda viva de una temporada a la siguiente.”. Gracias por todo, Alix.


¡Os veo la semana que viene, amantes del vintage!