Saturday, July 28, 2018

Paris - When It Sizzles

It was in 1953 when a young Audrey Hepburn (I have to say she is my favorite actress of all times), showed up in the studio of Givenchy at 8 Rue Alfred de Vigny in Paris (of course). As an anecdote, they say that Hubert de Givenchy (1927-2018) was waiting for the other Hepburn (not necessary say her name), but he met this delicate woman dressed in a Frenchified way who was looking for costumes for her next movie "Sabrina" (1954) The designer was fascinated with her, they had dinner together that day and the magic between them sprang up, giving rise to an unbreakable friendship that lasted until her death and beyond.


Hubert de Givenchy and Audrey Hepburn (1950s).



Audrey Hepburn and Givenchy.
Funny Face (1957).
Her admiration for Givenchy (and vice versa) was such that she demanded by contract that he was the costume designer of her films. So in the 50s and 60s (Audrey's golden age), she gave off all the glamour on the big screen, the glamour created by the Frenchman who was inspired by his muse, and he turned Audrey Hepburn into a fashion icon (even today she is considered one of the most elegant women in the world). The grace with which the wonderful actress wore his creations can be seen in films like "Funny face" (1957), "Breakfast at Tiffany´s" (1961) where she wore the best-known little black dress of all times, or "How steal a million" (1966). Once she said: "Givenchy’s clothes are the only ones in which I feel myself. He is more than a designer, he is a creator of personality." That is certainly evident in her movies. And also in her personal life, since Audrey could not think of anyone other than Givenchy to design the dresses for her two weddings. They were the perfect tandem on and off the screen (and probably the envy of many).



The wonderful couple in Paris (1982).


Later in the 70s/80s, Audrey Hepburn did not work as assiduously as in the past, but Givenchy kept creating a personal level for her. Their mutual trust reached the point where she named him the executor of her will before her death in 1993. Even after the loss of his beloved friend, he always remembered her and he mentioned her when he had at the least chance. Here I leave these words of Hubert about his eternal friendship with Audrey: "The telephone rang in the workshop and it was Audrey: 'I only call to tell you that I love you'". It is not necessary to say more (insert sigh).


See you next week, vintage lovers!



Encuentro en París

Fue en 1953 cuando una joven Audrey Hepburn (ruega decir que ella es mi actriz favorita de todos los tiempos) apareció en el estudio de Givenchy en el número 8 de la Rue Alfred de Vigny en París (por supuesto). Dicen como anécdota que Hubert de Givenchy (1927-2018) estaba esperando por la otra Hepburn (no hace falta que diga el nombre), pero se encontró con esta delicada mujer vestida de manera afrancesada que estaba buscando vestuario para su próxima película “Sabrina” (1954). El diseñador quedó fascinado con ella, cenaron juntos ese día y la magia entre ellos brotó dando lugar a una relación de amistad inquebrantable que duró hasta la muerte de ella y más allá.


Hubert de Givenchy y Audrey Hepburn (1950s).




Audrey Hepburn y Givenchy.
Una cara con ángel (1957).
La admiración de ella por Givenchy (y viceversa) era tal que ella exigió por contrato que él fuera el diseñador del vestuario de sus películas. Así en los años 50 y 60 (la época dorada de Audrey), ella desprendió todo el glamour en la gran pantalla, glamour creado por el francés que se inspiraba en su musa, y convirtió a Audrey Hepburn en un icono de la moda (aún hoy en día ella es considerada una de las mujeres más elegantes del mundo). La gracia con la que esta maravillosa actriz lucía sus creaciones se puede ver en películas como “Una cara con ángel” (1957), “Desayuno con diamantes” (1961) donde ella llevaba el Little Black Dress más conocido de todos los tiempos, o “Cómo robar un millón y…” (1966). Ella dijo una vez: “solo en sus prendas me siento yo misma. Es mucho más que un couturier, es un creador de personalidad.” Eso se notaba en sus películas sin ninguna duda. Y también en su vida personal, ya que Audrey no pudo pensar en nadie más que Givenchy para diseñar los vestidos de sus dos bodas. Ellos eran el tándem perfecto dentro y fuera de la pantalla (y probablemente la envidia de muchos).



La maravillosa pareja en París (1982).


Ya metidos en los años 70/80, Audrey Hepburn no trabajó tan asiduamente como en el pasado, pero Givenchy seguía creando para ella a nivel personal. Su confianza mutua llegó a tal punto que ella le nombró albacea de su testamento poco antes de su muerte en 1993. Aún tras la pérdida de su adorada amiga, él la recordaría siempre y la mencionaba cuando tenía la menor ocasión. Aquí dejo estas palabras de Hubert sobre su eterna amistad con Audrey: "Sonaba el teléfono en el atelier y era Audrey: 'Solo llamo para decirte que te quiero'". No es necesario decir más (insertar suspiro).


¡Os veo la semana que viene, amantes del vintage!



Saturday, July 21, 2018

Marie Antoinette

The playful Marie-Antoinette run about the sumptuous rooms of the Palace of Versailles, before they cut her head, accompanied by her retinue of young ladies (anyone who has watched the movie is  already visualizing it) wearing those elaborate robes à la française that they were very fashionable in the eighteenth century and leave one with their mouth open. The topic of this week is not only about that, but about the differences between the above,the robe a l'anglaise and  the robe à la polonaise. So let's go to the matter! (and taking note!).



Robe à la française (1750).
Photo cortesy by Palais Galliera.
Probably the best known one is robe à la française mostly made of silk (what other fabric could be, right?!) Several petticoats on a frame created the impressive volume and all this was under the skirt which was fixed to an anguished corset (I guess that dressing would take time). So far nothing extraordinary, but this kind of dress had a couple of singularities. One of them was the Watteau pleats that went from the neckline to the floor and they were like a kind of cape, and the another one was the triangular stomacher whose mission was to cover the corset. All of it very ornate with ribbons and embroidery. The sleeves covered the arm from the shoulders to the elbows and they were decorated with lace. Robe à la française disappeared after the French Revolution and the dresses began to simplify... a little.




Robe à l'anglaise (1770).
Photo cortesy by Lacma.

Let's follow our Fashion History class, and now it's the turn of the robe à l'anglaise (I hope you are paying attention to each word because I am not going to repeat it twice). It was simpler than the previous one and practically the excess of ornaments disappears. The skirt was cut in front and it showed the matching petticoat. Its volume was achieved because the pleads were sewn below the waistline in a "V" shape, and this gave it an elegant look without being excessively ornate. The bodice was fitted at the back forming a long stitch. In front, matching laces with the fabric were used and the two panels were attached by buttons. The sleeves were simpler and they narrowed to the elbow. Needless to say, silk was the queen (again).




Robe à la Polonaise (1775).
Photo cortesy by Lacma.
And finally, we have the robe à la polonaise (I think it is the most creative one of the three).They say that its origin was in the costumes that the peasants used for their daily tasks. The bodice was closed at the top front center and then it opened to the sides leaving a triangular gap where a false waistcoat was added. But its original feature was that the overskirt was rolled up by small laces and it formed wonderful pleads giving a fragile appearance to the silhouette. The sleeves were three-quarter length that could be topped with fine ruffles.

Well, everything is already explained. Now I want to watch "Marie Antoinette" again (will it be my plan for Saturday night? Hmm ... maybe). But first a coffee.



See you next week, vintage lovers!



María Antonieta

Correteaba juguetona María Antonieta por las suntuosas estancias del Palacio de Versalles, antes de que le cortasen la cabeza, acompañada de su séquito de jóvenes damas (cualquiera que haya visto la película, ya lo está visualizando) llevando esos elaborados vestidos llamados robes à la française muy moda en el siglo XVIII y que dejan a una con la boca abierta. El tema de esta semana no es solamente sobre ello, sino sobre las diferencias entre el susodicho, el robe à l'anglaise y el robe à la polonaise. ¡Así que vamos al asunto! (¡y a tomar nota!).


Robe à la française (1750).
Foto cortesía de Palais Galliera.
Probablemente el más conocido sea robe à la française mayoritariamente hecho de seda (¡qué otra tela sino podría ser, ¿verdad?!)  El impresionante volúmen lo creaban varias enaguas sobre un armazón y todo ésto iba debajo de la falda la cual iba fijada a un angustioso corsé (supongo que vestirse llevaría su tiempo). Hasta aquí nada extraordinario, pero esta clase de vestido tenía un par de singularidades. Una de ellas eran los pliegues Watteau que iban desde la nuca hasta el suelo y eran como una especie de capa, y la otra eran las barbas de ballena en forma triangular en la parte del estómago cuya misión era cubrir el corsé. Todo ello muy recargado con lazos y bordados. Las mangas cubrían el brazo desde los hombros hasta los codos y se adornaban con encajes. El robe à la française desapareció después de la Revolución Francesa y los vestidos empezaron a simplificarse… un poco.



Robe à l'anglaise (1770)
Foto cortesía de Lacma.

Sigamos nuestra clase de Historia de la Moda, y ahora toca el turno al robe à l'anglaise (espero que estéis atentos a cada palabra porque no lo voy a repetir dos veces). Era más simple que el anterior y prácticamente el exceso de adornos desaparece. La falda estaba cortada al frente y mostraba la enagua a juego. Su volúmen lo conseguía porque los pliegues estaban cosidos por debajo de la cintura en forma de “V”, y le daba un aspecto elegante sin estar excesivamente recargado. El corpiño estaba ajustado en la parte posterior formando un punto largo. Por delante se emplearon cordones a juego con la tela y se usaron botones para unir los dos paneles. Las mangas son más sencillas y se estrechan hasta el codo. Ni que decir que la seda era la reina (otra vez).



Robe à la Polonaise (1775).
Foto cortesía de Lacma.
Y ya por último nos queda el robe à la polonaise (yo creo que es el más creativo de los tres). Dicen que su origen estaba en los trajes que las campesinas usaban para sus tareas diarias. El corpiño estaba cerrado en la parte superior central delantera y luego se abría hacia los lados dejando un espacio triangular donde se añadía un falso chaleco. Pero su original característica era que la sobrefalda se remangaba mediante pequeños cordones y formaban maravillosos pliegues dando a la silueta un aspecto frágil. Las mangas eran de tres cuartos que podían estar rematadas con finos volantes.

Bueno, pues ya está todo explicado. Ahora me he quedado con las ganas de volver a ver “María Antonieta” (¿será mi plan para el sábado noche? Hmm… quizás). Pero primero un café.


¡Os veo la semana que viene, amantes del vintage!



Saturday, July 14, 2018

The Staircase

There were not escalators, but majestic staircases, some of them crowned in impressive domes, where the most fashionable women of those times went up and down moving their sumptuous dresses in search of something more for their wardrobe (like an old soul, going shopping had been wonderful back in the 19th century *insert long sigh). You could imagine those feather hats reclined on the wooden counters of those department stores, barely crowded with people and where elegance was breathed. The magnificent silhouettes moved around upholstered floors, huge crystal chandeliers and spectacular coffered ceilings, even there were seats to take a break (we already know those clothes were not lightweight and you could end up exhausted after many hours).


Les Galeries Lafayette en 1900




Selfridges store interior (1910).
They say that the first big department store was Harding, Howell & Co’s Grand Fashionable Magazine located in London. Its doors opened in 1796, but it was not until the mid-nineteenth century when a boom took place and they began to appear in the rest of Europe and the United States. One of the best known was Marshall Field's in Chicago, where one of its partners, Harry Gordon Selfridge, coined the well-known slogan "the customer is always right" (it sounds familiar to you, right?) that it is still used today. The women from upper-middle class found a place in these large department stores where they can feel free without the need to be accompanied by another person of the opposite sex, these ones became a meeting point where they could also socialize. Thanks to this a culture of consumption started (the men had the money and the women spent it on getting pretty, not said with bad intention), a culture away from the streets in which the women did not feel safe. Shortly after the window displays appeared as a primitive form of merchandising (we will talk about them in another blog). The first ones to take the step were Harrod's stores in London and the Au Bon Marché in Paris, and then it was when the ladies took to the streets.



Wrights Department Store (Colorado, 1900).

My mind wanders thinking of how many stories the staircases of those imposing department stores saw (who could look through a hole and take a look!). They were, so to speak, the center from which everything worked, and around them the desired jewels, the delicate hats, the playful fans or the puritan lingerie waited patiently. Then the doors opened and life came in with a blow of silk.





See you next week, vintage lovers!



La Escalera

No había escaleras mecánicas, sino majestuosas escaleras, algunas de ellas coronadas en impresionantes cúpulas, por donde las mujeres más fashionables de aquellos tiempos subían y bajaban moviendo sus suntuosos vestidos en busca de algo más para su armario (como un alma vieja, hubiera sido maravilloso haber podido ir de compras allá por el siglo XIX *insertar largo suspiro). Tú podrías imaginar esos sombreros de plumas reclinados sobre las mostradores de madera de aquellos grandes almacenes, apenas llenos de gente y donde se respiraba elegancia. Las magníficas siluetas se movían entre suelos tapizados, enormes lámparas de cristal y espectaculares artesonados en los techos, incluso había asientos para tomar un descanso (ya sabemos que aquellos ropas no eran livianas y podrías terminar agotada después de muchas horas).


Les Galeries Lafayette  (1900).




Interior de Selfridges (1910).
Dicen que dicen que el primer gran almacén fue Harding, Howell & Co’s Grand Fashionable Magazine ubicado en Londres. Sus puertas se abrieron en 1796, pero no fue hasta mediados del siglo XIX cuando hubo un boom y empezaron a aparecer en el resto de Europa y Estados Unidos. Uno de los más conocidos fue Marshall Field’s en Chicago donde uno de sus socios, Harry Gordon Selfridge, acuñó el conocidísimo eslogan de “el cliente siempre tiene razón” (te suena, ¿verdad?) que aún se sigue usando hoy en día. Las mujeres de clase media-alta encontraron en estos grandes almacenes un lugar donde podían sentirse libres, sin la necesidad de ir acompañadas por otra persona del sexo opuesto, éstos se convirtieron en un punto de encuentro donde sociabilizar también. Gracias a ello empezó una cultura de consumo (los hombre tenían el dinero y las mujeres lo gastaban en ponerse guapas, no dicho con mala intención), una cultura alejada de las calles en las que las mujeres no se encontraban seguras. Poco después aparecieron los escaparates como una primitiva forma de comercialización (hablaremos de ellos en otro blog). Los primeros en dar el paso fueron los almacenes Harrod’s en Londres y Au Bon Marché en París, y fue entonces cuando las damas tomaron las calles.



Grandes almacenes Wrights (Colorado, 1900).

Vagabundea mi mente pensando en cuántas historias verían las escaleras de esos imponentes grandes almacenes (¡quién pudiera mirar por un agujero y echar un vistazo!). Ellas eran, por así decirlo, el centro a partir del cual todo funcionaba, y a su alrededor las deseadas joyas, los delicados sombreros, los juguetones abanicos o la puritana lencería esperaban pacientes. Entonces las puertas se abrían y la vida entraba a golpe de seda.




¡Os veo la semana que viene, amantes del vintage!